Criar storyboards é uma ótima maneira de mapear seu filme e criar uma visão clara para cada cena, e é muito fácil começar! Reunimos um guia para orientá-lo em tudo o que você precisa saber sobre como desenhar seus próprios storyboards como um profissional. Confira as etapas abaixo para aprender como criar um modelo de storyboard, criar fotos interessantes e preencher seus storyboards com desenhos, diálogos e quaisquer notas importantes que você tenha.
Passos
Método 1 de 3: storyboard de uma cena
Etapa 1. Conclua seu roteiro antes de começar nos storyboards
Se o script for um modelo de como um filme soará, um storyboard é o modelo de sua aparência. Os storyboards são como você visualiza como os atores, adereços, planos de fundo e ângulos de câmera se encaixam em qualquer cena ou sequência de fotos em particular. É a sua chance de mapear visualmente o filme antes que câmeras, atores e equipes caras estejam esperando no set.
Dito isso, um dos trabalhos de um storyboarder é pegar o roteiro e aprimorá-lo adicionando recursos visuais. Você deve conhecer o arco completo da história antes de começar
Etapa 2. Desenhe quadrados para cada cena, deixando espaço para o diálogo embaixo
Depois de escrever seu roteiro e ter uma ideia do que acontecerá em seu filme, pegue um papel ou cartaz para montar seu storyboard. Como uma história em quadrinhos, cada quadrado representa uma tomada ou cena e o espaço abaixo é onde você preenche o diálogo, as notas ou a ação.
Embora você possa desenhar suas próprias pranchas, existem muitos modelos online gratuitos que você pode imprimir para começar a desenhar imediatamente
Etapa 3. Estabeleça a localização e quaisquer objetos importantes em sua primeira caixa da cena
A função mais importante do storyboard é mostrar a aparência da cena. Para o seu primeiro quadro, você vai querer todos os detalhes essenciais para que as pessoas que estejam lendo saibam onde estão. Ao se perguntar o que incluir, sempre faça a pergunta: "isso é essencial para entender a cena?"
- Sempre que você muda de local, precisa desenhar um novo plano de fundo. Lembre-se de que você está contando a história visualmente. Tente imaginar o que você precisaria ver se fosse um filme.
- Se o fundo não mudar entre as fotos, você pode deixá-lo em branco e focar na ação.
Etapa 4. Use setas e notas para mostrar qualquer movimento ou mudança
Por exemplo, se você quiser que um personagem dê um soco em outro, não precisa desenhar cinco molduras de seu punho movendo-se lentamente em direção a um rosto. Em vez disso, desenhe uma moldura do punho com uma seta indicando o movimento.
Você também pode usar setas para indicar os movimentos da câmera, como panorâmicas ou inclinações
Etapa 5. Preencha o diálogo da cena e os sons abaixo do desenho
Lembre-se de que você está basicamente fazendo uma versão em quadrinhos do filme, então também deve adicionar efeitos sonoros essenciais. Não se preocupe se nem tudo couber - você está apenas dando dicas ao diretor e à equipe sobre onde o som é combinado, então reticências ("…") podem ajudar.
Etapa 6. Faça um novo quadro para cada ação significativa ou movimento de câmera
Sempre que algo acontece, ele precisa de sua própria caixa. Se você está puxando uma conversa, você vai querer mudar de um personagem para outro enquanto eles falam, bem como algumas fotos dos dois ao mesmo tempo. Você precisa desenhar cada uma dessas mudanças individualmente.
Você não pode simplesmente desenhar 1-2 caixas e dizer "fotos alternativas" para uma conversa. Imagine uma cena em que uma mãe fica brava com seu filho por quebrar uma lâmpada. Mostrar tudo do filho triste ou assustado é uma cena muito diferente de mostrar a mãe furiosa o tempo todo, cortando para frente e para trás ou mostrando a lâmpada quebrada
Etapa 7. Preencha as notas essenciais sobre movimento, sons ou efeitos especiais
Se uma cena exigir um pouco de sangue falso, faça uma anotação usando uma caneta vermelha ou anotando. Se a cena exigir uma tomada longa e contínua, use as setas para indicar como tudo flui junto. Embora existam termos adequados para tudo isso, o mais importante é contar a história visualmente da maneira que você puder. Se fizer sentido como um guia para filmagens, coloque-o.
Se a câmera não estiver cortando, mas muitas coisas estiverem acontecendo, você pode usar várias caixas para um "corte". Sempre que algo acontece, você precisa de uma nova caixa, mesmo que a câmera não se mova
Método 2 de 3: Melhorando seus storyboards
Etapa 1. Encontre maneiras de expressar os temas do script visualmente
Não deixe o script "falar por si mesmo"; Os melhores filmes são tematicamente relacionados em todos os níveis: escrita, storyboard, efeitos sonoros, atuação, etc. É seu trabalho pegar um bom roteiro e transformá-lo em ótimos visuais. A cada cena, pergunte-se qual é o objetivo da cena, qual é o clima ou tom e quais são os adereços, personagens ou momentos mais importantes. Como você pode chamar atenção para essas coisas?
- Encontre o elemento mais importante da cena e encontre uma maneira de chamar a atenção do público para ele em cada tomada, tornando-o maior, centralizando-o, ampliando-o etc.
- Gene Wilder não era um storyboarder, mas pensava como um comediante visual. Em Willy Wonka, a famosa introdução em que ele "acidentalmente" tropeça, cai e rola sob aplausos estridentes foi elaborada por ele como uma forma de retratar Wonka como divertido, estranho e escondido atrás de uma fachada cômica.
Etapa 2. Evite composições planas e bidimensionais sempre inclinando a câmera
O que você não quer é um piso totalmente plano, onde a câmera fique em um ângulo reto em relação ao solo. Inclinar levemente a cena dá ao seu storyboard três dimensões, mesmo que seja apenas uma pequena mudança. Fotos diretas quase nunca são tão empolgantes quanto as composições 3D dinâmicas.
- Use o primeiro plano e o plano de fundo a seu favor também - não coloque todos os personagens ou coisas na mesma linha de profundidade.
- Não se esqueça do fundo muito, muito longe - é um bom lugar para criar profundidade.
- Claro, existem muitos motivos para quebrar essa regra, como criar uma foto perfeitamente simétrica. Apenas saiba por que você está quebrando a regra antes de fazê-lo.
Etapa 3. Forneça motivação para cortar a câmera em vez de apenas mudar a cena
Normalmente, isso é óbvio - se outro personagem estiver falando, você precisa cortar para mostrá-lo. Se alguém ouvir um barulho atrás dele, você corta para o local de onde veio o barulho. Todos os bons cortes devem ter uma razão para ocorrer - seja o enredo, personagens, mudança de atenção ou uma escolha puramente artística.
Um dos cortes mais famosos de todos os tempos é em 2001: Uma Odisséia no Espaço, onde o diretor Stanley Kubrick passa de uma arma voadora a um satélite no espaço. Em um corte, ele preenche a lacuna entre o homem primitivo e o homem futuro, sugerindo que pouco mudou, exceto o cenário
Etapa 4. Use o ângulo de uma câmera para indicar as relações e sentimentos dos personagens
O ângulo de sua tomada informa ao público como se sentir em relação aos personagens ou cenas. Você pode usar esse fato de maneiras infinitas e deve sempre se perguntar como o ângulo da câmera ajuda ou atrapalha o ponto da foto. Por exemplo:
- Desprezar um personagem faz com que ele pareça fraco, temeroso ou impotente. Olhar para cima faz com que alguém pareça poderoso, confiante e dominante.
- Ângulos extremos, como tomadas muito altas, muito baixas ou com título, mostram confusão, medo ou experiências inesperadas, como uma viagem com drogas.
Etapa 5. Tente escrever a cena em prosa se estiver com dificuldades para começar
Sentar e começar a cena, fazendo escolhas difíceis como o ângulo da câmera e a composição, é difícil se você ainda não tem certeza de qual direção deseja tomar. Uma boa etapa intermediária é escrever a cena como um conto. Quais partes são mais importantes, quais detalhes se destacam enquanto você escreve e quais são as principais ações em cada cena? Você pode então editar este mini-script como uma execução prática antes de desenhar.
Atenha-se a apenas 1-2 descrições para cada foto ou cena. Você não está escrevendo um romance, está escrevendo um guia
Etapa 6. Estude cinematografia
Os storyboards são, em essência, tomadas práticas de um filme. Como tal, o objetivo é usar as placas para configurar luzes, câmeras e cenários reais para imitar a cena que você desenhou. Mergulhar profundamente em tipos de tomadas, composição de cores, ângulos de câmera e muito mais aumentará muito o seu kit de ferramentas como criador de storyboard.
Desenhar um storyboard é barato, mas filmar não. Se estiver trabalhando em um filme maior, você precisa conhecer a dificuldade aproximada das tomadas para saber se elas são viáveis. Fotos bem altas podem parecer incríveis e caber no filme, mas a filmagem de helicóptero é muito cara
Método 3 de 3: Storyboarding como um profissional
Etapa 1. Aprenda a terminologia dos ângulos de câmera comuns
Não dependa apenas do desenho para transmitir seu ponto de vista - o mundo do cinema está repleto de vocabulário que torna seu trabalho mais fácil e seus storyboards mais precisos. Anotar os ângulos da câmera ajuda a equipe de filmagem a ver rapidamente para quais fotos eles devem se preparar e permite que você veja se está ficando acidentalmente repetitivo com sua escolha de foto.
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Estabelecendo planos:
Fotos rápidas que ilustram o cenário, a localização ou a posição inicial dos personagens.
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Completo, Médio, Fechado, Extremo Fechar:
Se você está mostrando um personagem, o quanto você está mostrando? Cheio (FS) mostra o corpo todo, Médio (MS) mostra a cintura para cima, Fechar (CU) mostra os ombros e a cabeça e os sapatos de close-up extremo (ECU) apenas o rosto.
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Tiro para cima / Tiro para baixo:
Up Shots olha para um personagem, enquanto Down Shots olha para baixo de cima. "Worm's Eye" e "Bird's Eye" são as versões extremas de cada um.
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Sobre o Ombro (OTS):
Um de seus termos mais importantes, essas fotos têm uma pessoa ou coisa na lateral do quadro, de costas, enquanto olha para outra. Muito comum em conversas entre duas pessoas.
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Two-shot:
Quando os dois personagens, geralmente falando um com o outro, estão no quadro ao mesmo tempo. Ao desenhar o diálogo, duas fotos geralmente se alternam com as fotos OTS.
- POV Shots São simplesmente quando a câmera imita o ponto de vista de um personagem.
Etapa 2. Familiarize-se com os movimentos da câmera para ilustrar as fotos em movimento ou em mudança
A lista a seguir não é exaustiva, mas é uma boa introdução sobre como escrever storyboards coerentes. Sempre que quiser adicionar um, escreva o movimento real da câmera no storyboard.
- Monitorando é quando a câmera segue a ação sem cortar, como seguir alguém caminhando pela rua. Use as setas para indicar o movimento e vários quadros, se necessário.
- Panelas são quando a câmera simplesmente gira em uma direção, geralmente seguindo um personagem conforme ele se move ou expondo algo próximo a ele. Desenhe uma seta ilustrando a direção da câmera.
- Caminhões são quando a câmera se move fisicamente para dentro ou para fora. Imagine a imagem de uma TV e, em seguida, a câmera lentamente "se movimentando" de volta para revelar uma família assistindo à TV na sala de estar. Use 4 linhas, apontando do centro da tela para os cantos, para mostrar o transporte.
- Rack Focus é quando você tem um objeto desfocado no fundo e um claro no primeiro plano, então o foco muda de um para o outro (ele pode ir ao contrário também). Desenhe uma linha indicando onde o foco começa e para onde vai.
Etapa 3. Faça anotações apropriadas sobre as transições entre as tomadas
Os cortes a seguir são alguns dos mais comuns em filmes e devem ser observados em seu storyboard. Cada um requer um pequeno desenho ao lado das palavras, representando visualmente a transição. Comece com um pequeno retângulo, representando a tela, logo antes do diálogo, em seguida, preencha este retângulo com sua transição:
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Fade In / Fade Out:
Isso ocorre simplesmente quando a imagem aparece ou desaparece lentamente em uma tela em branco. Para um fade in, desenhe um triângulo apontando para a esquerda. Para um esmaecimento, desenhe um triângulo apontando para a direita.
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Dissolução cruzada:
Quando uma imagem é lentamente desbotada na próxima. Para desenhá-lo, faça dois triângulos que se cruzam na caixa, começando pelos quatro cantos. É o esmaecimento e o esmaecimento em desenhos sobrepostos uns aos outros.
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Limpar:
Quando uma imagem se move fisicamente pela tela, revelando a próxima foto abaixo dela. Simplesmente desenhe uma linha vertical no centro do retângulo e uma seta passando por ela para indicar para qual direção a primeira imagem está se movendo.
Etapa 4. Lembre-se das instruções básicas de bloqueio para ajudar a definir a cena e os atores
Os termos a seguir referem-se ao lugar de um objeto na foto. Também pode ajudar a direcionar o movimento, como se um personagem andasse do fundo da cena para a frente, o que poderia ser expresso como "BG → FG".
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Primeiro plano (FG):
A área próxima à câmera.
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Midground (MG):
O centro do quadro
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Antecedentes (BG):
Eles estão mais distantes da câmera.
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Fora da tela (O / S):
Útil se houver ruído, diálogo etc. que os espectadores não possam ver ou se um personagem entrar ou sair do quadro completamente.
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Sobreposição (OL):
Quando um objeto ou imagem é sobreposto a outro, mas ambos são visíveis.
Etapa 5. Identifique suas fotos corretamente para que o resto da equipe possa lê-las
Em geral, uma "cena" em um storyboard na verdade se refere a um movimento de câmera ininterrupto, não a um evento completo. Essas cenas são adicionadas para formar uma "sequência", que é toda a ação, conversa, que você está retratando (o que você normalmente chama de "cena").
- Sempre que a câmera corta, você deve alterar o número da cena para indicar uma nova tomada.
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Se uma única cena requer várias ações, todas sem alterar a câmera, elas são rotuladas como painéis.
Se uma cena exigir três storyboards, você deve rotular cada painel como 1/3, 2/3 e 3/3.
Passo 6. Busque clareza, não símbolos perfeitos ou vocabulário, se você estiver confuso
O objetivo final de um storyboard é contar visualmente o filme, não passar em um teste de vocabulário. Embora você deva sempre se esforçar para aprender a terminologia, você deseja que os storyboards sejam facilmente lidos por diretores, cineastas e o resto da equipe. Se você tem uma ideia, mas não sabe como expressá-la, use suas habilidades de desenho para transmiti-la da forma mais simples possível. Setas, notas e vários painéis devem ser usados para compartilhar suas idéias criativas quando as palavras não são suficientes.
- Imagine um tiro longo e único, como o início de Raging Bull. Embora não haja nenhum corte, você nunca poderia conter essa foto em apenas um painel. Você precisaria juntar muitos painéis com setas, notas e diálogos para planejar o tiro.
- As listas de vocabulário acima estão longe de estar completas - há centenas de palavras, fotos e dicas que um storyboarder profissional usa. Para ser um profissional, você deve continuar pesquisando termos profissionais.
Vídeo - Ao usar este serviço, algumas informações podem ser compartilhadas com o YouTube
Pontas
- Se ajudar, você pode dobrar um pedaço de papel em 6 quadrados, para enquadrar suas cenas facilmente ou baixar um modelo de storyboard gratuito da Internet.
- O software de storyboard geralmente tem um banco de dados para ajudar a manter o controle das informações do script, adereços, locais, direções da câmera, etc.
- Mantenha o seu público em mente enquanto faz o storyboard. Pense no que eles querem ver, não no que você deseja desenhar.
- Você não precisa desenhar todos os quadros perfeitamente - um esboço básico é totalmente adequado.
